Amor fugaz

Cuando pienso que todo lo que crece

su perfección conserva un mero instante;

que las funciones de este gran proscenio

se dan bajo la influencia de los astros;

y que el hombre florece como planta

a quien el mismo cielo alienta y rinde,

primero ufano y abatido luego,

hasta que su esplendor nadie recuerda:

la idea de una estada tan fugaz

a mis ojos te muestra más vibrante,

mientras que Tiempo y Decadencia traman

mudar tu joven día en noche sórdida.

Y, por tu amor guerreando con el Tiempo,

si él te roba, te injerto nueva vida.

Este soneto trata sobre el paso del tiempo. Sobre el paso del tiempo que sufrimos las personas, ya que haciendo referencia a varias metáforas, como por ejemplo: "el hombre florece como planta" se refiere al enriquecimiento y al paso del tiempo que es vital en nuestra vida.

Como tópicos literarios, destacan, claramente el tópico del Carpe Diem, aunque no hayan ejemplos expresamente en el poema, en segundo plano deja el mensaje de que hay que vivir el día a día, ya que constantemente estamos en crecimiento. Con ese tema va también el Tempus Fugit, ya que hace un repaso de las "estaciones" que sufrimos las personas a lo largo de la vida, y como último tópico, Amor Bonus, haciendo referencia a la paralela guerra entre el amor y el paso del tiempo al final del poema.

Aquí abajo os dejo el link al post del autor para que os informéis un poco sobre las obras del autor o por si queréis conocer mi opinión personal sobre el mismo:

http://etereoreflejo.blogspot.com.es/2016/03/uno-de-los-grandes.html

Finalmente, he escogido esta imagen ya que creo que representan los temas que se han tocado en el poema, no solo el del amor, sino el del paso del tiempo, que se combinan en esta imagen llena de puro sentimiento, o por lo menos, a mí, que me ha llegado a tocar la fibra emocional.

Quédate

No dejes, pues, sin destilar tu savia,

que la mano invernal tu estío borre:

aroma un frasco y antes que se esfume

enriquece un lugar con tu belleza.

No ha de ser una usura prohibida

la que alegra a quien paga de buen grado;

y tú debes dar vida a otro tú mismo,

feliz diez veces, si son diez por uno.

Más que ahora feliz fueras diez veces,

si diez veces, diez hijos te copiaran:

¿qué podría la muerte, si al partir

en tu posteridad siguieras vivo?

No te obstines, que es mucha tu hermosura

para darla a la muerte y los gusanos.

En este soneto de William Shakespeare, perteneciente a sus famosas rimas amorosas, trata el tema de la belleza.

La trata de un modo peculiar, ya que es muy sutil a lo largo de todo el poema, y culmina con el quid de la cuestión, el fuerte amor que tiene Shakespeare hacia su amada, ya que le dice "mucha es tu hermosura para darla a la muerte y los gusanos" lo que cual expresa que su belleza no debe ser desfigurada, debe ser un rostro tan perfecto, con unos rasgos excesivamente bonitos, para desear que esa belleza sea eterna, y que nunca llegue a ser pasto de las garras de Hades.

Este poema lo relaciono con el tópico literario del Amor Bonus, ya que, sin más, está haciendo referencia a su amor en general, y está deseando que su vida sea duradera, para así poder vivirla junto a su amor.

Os dejo, como siempre el enlace a el artículo en sí del autor por si queréis averiguar algo más acerca de él o sobre mi opinión personal:

http://etereoreflejo.blogspot.com.es/2016/03/uno-de-los-grandes.html

A pesar de no estar relacionado con el poema, a simple vista, el sol guarda cierta relación con este tema, ya que, el sol cumple su función, y siempre está en constante funcionamiento, dándonos lo que necesitamos. En cierto modo, nosotros le pedimos al sol que se quede ahí, con nosotros, y que nunca se marche, para dar paso a una profunda oscuridad. 

Uno de los grandes

"Duda que sean fuego las estrellas, duda que el sol se mueva, duda que la verdad sea mentira, pero no dudes jamás de que te amo."

Con esta frase de William Shakespeare voy a empezar el artículo. Si tuviese que definir personalmente, lo definiría como el Da Vinci de la literatura. Dramaturgo y poeta inglés, ha pasado a la historia por sus míticas comedias y tragedias, y sobretodo, por sus famosas Rimas.

Centrándonos en el tema de la poesía, leer alguna rima de Shakespeare sin emocionarse no tiene perdón. La manera en la que enfoca los poemas, en como dice las palabras, en como enlaza ideas, términos, rimas, es simplemente apasionante.

Desde su nacimiento, (1564) hasta su muerte, (1616), estoy seguro de que Shakespeare es el autor más reconocido, ya que nos ha dejado obras tan míticas como las siguientes:

Otelo, Hamlet, Romeo y Julieta, La Violación de Lucrecia, y un largo etc.

No me gustaría comentar ninguno de sus poemas, ya que considero que cada uno empapa de una manera distinta a cada persona, ya que es imposible no sentir ni un ápice de emoción cuando te enfrentas a una de sus composiciones líricas. Pero mi yo más sensible me ha dicho, "Sergio, adelante. Tienes que expresarte mediante estas obras de arte" y como no soy quién para rechazar a mi conciencia, voy a dejar un par de poemas de la increíble cantidad que he seleccionado, pero que, por desgracia, no voy a poder comentar todos.

También he de decir, en mi defensa, que para no manchar las palabras de este señor, voy a comentar lo justo, ya que creo que Shakespeare ya expresó todo lo que tuvo que expresar en su momento, y las palabras de un genio son irrefutables.

El final de un amor

Sus ojos que canté amorosamente,

su cuerpo hermoso que adoré constante,

y que vivir me hiciera tan distante

de mí mismo, y huyendo de la gente,

Su cabellera de oro reluciente,

la risa de su angélico semblante

que hizo la tierra al cielo semejante,

¡poco polvo son ya que nada siente!

¡Y sin embargo vivo todavía!

A ciegas, sin la lumbre que amé tanto,

surca mi nave la extensión vacía…

Aquí termine mi amoroso canto:

seca la fuente está de mi alegría,

mi lira yace convertida en llanto.

Este soneto llamado "En la muerte de Laura" es un soneto , de una gran profundidad emocional , cuyo tema es el dolor por la muerte de la amada. Se trata por lo tanto de una elegía, puesto que en él se expresa la pena por la desaparición de un ser querido.

Este poema se podría dividir en dos partes, cada una con características diferentes:

En el primer bloque, de los versos primero al séptimo, se realiza una descripción de Laura mediante el tópico literario Descriptio Puellae. La primera parte del soneto está formada por una enumeración de los rasgos físicos de la joven, tan admirados por el amante. Podemos destacar la presencia de paralelismo entre los dos primeros versos. Así mismo, destaca la metáfora “cabellera de oro” para referirse  al pelo rubio de Laura. Cuando acaba con la profunda descripción de su amada Laura, Petrarca exclama cómo de rápido nos convertimos en polvo, en nada. Con este choque de ideas, Petrarca expresa el contraste entre la pura vida y la simple muerte.

Después de la exclamación, el segundo bloque da comienzo en el verso octavo. La voz poética en esta parte se siente destrozada, y procede a explicar cuál es su estado actual. Comienza contrastando la muerte de esta con la vida en la que él todavía está. Sin embargo, se lamenta de seguir viviendo porque ahora camina “a ciegas”, sin la “lumbre que amó tanto” (metáfora utilizada por el poeta para referirse a los ojos de la amada que antes le iluminaban). Y a ciegas “su nave” (metáfora del cuerpo) surca la extensión vacía.

Termina el soneto con un terceto en el que la voz poética sentencia que jamás volverá  a componer poesía puesto que su “lira” (instrumento musical con el que los poetas renacentistas acompañaban el recitado de sus poemas y que en este soneto representa una metonimia que se utiliza para referirse al poeta) “yace convertida en llanto” (metáfora de la tristeza). Destaca en el último terceto la antítesis entre “alegría” y “llanto” y el hipérbaton del verso 13.

Este poema me ha conmovido muchísimo. Como el poeta puede pasar de quererlo todo a no querer nada, a que esa inspiración de repente se apague y esa "lira" ya no pueda volver a sonar porque ha quedado reducida a cenizas.

Este poema no lo voy a acompañar con una foto, sino con una célebre frase, que creo que es muy apropiada para acabar de comentar este poema, ya que siempre hay que tenerla en mente. Y es que, por mucho que nos duela, "polvo somos, y en polvo nos convertiremos"

Amor enjaulado

Paz no encuentro ni puedo hacer la guerra,

y ardo y soy hielo; y temo y todo aplazo;

y vuelo sobre el cielo y yazgo en tierra;

y nada aprieto y todo el mundo abrazo.

Quien me tiene en prisión, ni abre ni cierra,

ni me retiene ni me suelta el lazo;

y no me mata Amor ni me deshierra,

ni me quiere ni quita mi embarazo.

Veo sin ojos y sin lengua grito;

y pido ayuda y parecer anhelo;

a otros amo y por mí me siento odiado.

Llorando grito y el dolor transito;

muerte y vida me dan igual desvelo;

por vos estoy, Señora, en este estado.

Versión de Jorge A. Piris

Este poema es puro sentimiento. Es el sentimiento que retiene a Petrarca en ese estado de embriaguez emocional. El estado que siente por Laura. Son todas aquellas preciosas palabras que siempre quiere decirle, el momento en el que se encuentra, que no puede vivir. Que solo vive por y para ella.

Para entender mejor la temática del poema y las palabras de Petrarca, voy a dejar el artículo del autor aquí abajo:

http://etereoreflejo.blogspot.com.es/2016/03/abogacia-rechazada.html

En el poema, hay varios casos respecto a los recursos de repetición, como por ejemplo, los siguientes:

En la primera estrofa, las anáforas están presentes en todo momento con la repetición de la conjunción "y", símbolo de querer enfatizar lo que va a decir en esos versos. También, relacionado con la "y" hay un caso de polisíndeton también en el primer párrafo con la misma característica que lo anterior, para enfatizar los sentimientos.

Catalogando este poema con algún tópico literario, lo catalogaría con el tópico Ignis Amoris, ya que el autor siente tantos sentimientos y emociones por la amada que son incontrolables, que son una mezcla caótica, que solo vive para ella.

De hecho, la imagen que he escogido creo que es muy apropiada, ya que como en la foto, el autor también está siendo perseguido por esos sentimientos, y esos sentimientos le han llevado a la total reclusión, al auto encarcelamiento, ya que Laura es la prisión de la que nunca podrá escapar.

Abogacía rechazada

Nació en el exilio y pasó su niñez en L'incisa, en Pisa, y, desde 1312 en Aviñón y en Carpentras, donde inició sus estudios con Convenevole da Prato. Desde 1316 cursó leyes en Montpellier y en Bolonia, sin llegar a graduarse; en 19326 volvió a Aviñón, y el 6 de Abril de 1327 -según dice-, en la iglesia de Santa Clara, vio a Laura (personaje para muchos absolutamente imposible de identificar, si realmente existió y llevó tal nombre) y se enamoró de ella para el resto de su vida.

Así comienza la vida de este autor, el cual lidera el movimiento con el mismo nombre, el petrarquismo. Un gran movimiento, no solo literario, sino cultural, artístico etc...

Este gran poeta, puede considerarse como uno de los mejores y el primer poeta lírico moderno, encontrando a sus equivalentes en importancia como William Shakespeare en Inglaterra o Miguel de Cervantes en España.

En comparación con Dante, Petrarca, como ya bien he dicho, sufrió de amor por su equivalente a Beatriz, llamada Laura, a la cual va dedicado su famoso Cancionero.

El Cancionero está dividido en tres partes: Soneto prólogo, poemas in vita de madonna Laura y poemas in morte de madonna Laura, en los cuales va expresando el sufrimiento y demás sentimientos conforme vamos avanzando en el Cancionero.

A parte de haber escrito su gran obra, Petrarca escribió grandes novelas en latín, como por ejemplo Secretum, o Africa.

Como suelo hacer de costumbre, voy a poner por aquí abajo alguna frase extraída de la obra de Petrarca, que como siempre digo, son de mi gusto personal.

"Si queda entre la tercia luz y Marte, la luz del sol será descolorida: por verla será de almas circuída su belleza que excede a todo arte."

Haciendo esta referencia a la belleza de su amada Laura, la cual compara con la belleza de la luz del sol, indudablemente ganando su amada la batalla contra el gran astro de Apolo.

Aquí, junto a la bibliografía, os voy a dejar un artículo del periódico "El País" que me ha resultado interesante, ya que no solo habla de la vida de Petrarca, sino de algunas personas más mencionadas en las clases de Literatura Universal.

•  http://elpais.com/diario/2004/07/25/cultura/1090706402_850215.html
• http://www.frasesypensamientos.com.ar/autor/francesco-petrarca.html
• http://www.epdlp.com/escritor.php?id=2140
• http://www.mgar.net/docs/petrarca.htm
• https://es.wikipedia.org/wiki/Cancionero_(Petrarca)

El final

Así, con tal entender,

todos sentidos humanos

conservados,

cercado de su mujer

y de sus hijos y hermanos

y criados

dio el alma a quien se la dio

el cual la dio en el cielo

en su gloria

que, aunque la vida perdió

nos dejó harto consuelo

su memoria.

Esta Copla de Jorge Manrique está ubicada en el último bloque de Coplas, concretamente en el segundo bloque.

Como siempre, os dejo el enlace al autor con el fin de entender mejor el comentario del poema:

 http://etereoreflejo.blogspot.com.es/2016/03/vocacion-paternofilial.html

En este poema, Jorge Manrique da la intención de que está hablando de su padre, ya que, en el final del poema, dice “aunque la vida perdió […]” está concluyendo el conjunto de las Coplas manifestando todos los sentimientos dedicados a su padre, diciendo que, aunque haya pasado a la otra vida los que se quedan en esta van a seguir recordando los buenos momentos que pudieron pasar con él.

El tópico que destaca en este poema es el de Vita Flumen, ya que, aunque no lo compara con un río en ningún momento en las Coplas, cómo va hilando la historia en todo momento para culminar con ese final. Empezando en el nacimiento del rio, (Copla I), hasta llegar al mar, hasta que el alma del padre llegue a su fin, y descanse en paz volviendo a renacer en todos los corazones de los familiares, fundiéndose con la inmensidad del mar. Por eso es por lo que he comentado la primera y la última copla de Jorge Manrique, para hacer esa similitud.

Algunos de los recursos de repetición que aparecen en el poema son los siguientes. Las anáforas están presentes en este poema en los versos 5º y 6º, repitiéndose la palabra “y” al principio de ambos versos.

He elegido este poema ya que me parece muy bonita la idea de recordar a la gente. Cundo alguien se va no se tiene que olvidar su presencia. Siempre la tienes que tener en mente. Por eso me ha gustado el poema, ya que concluye las Coplas con el profundo recuerdo de su padre, que lo quería por encima de todo.

También, esta imagen representa el final del camino. El final de camino que realiza Jorge Manrique para darle paz al alma de su padre. El fin de las Coplas a la muerte de su padre. El descanso eterno, la nada, el fin.

El silencio de la muerte

Recuerde el alma dormida

avive el seso e despierte,

contemplando

cómo se pasa la vida;

cómo se viene la muerte

tan callando;

Cuán presto se va el placer;

cómo, después de acordado,

da dolor;

cómo a nuestro parecer,

cualquier tiempo pasado

fue mejor

La primera Copla de Jorge Manrique trata del paso del tiempo. Conforme vamos creciendo, vamos viviendo nuevas experiencias, peores, por desgracia, para nosotros. De eso trata este poema, del recuerdo de la niñez, de los buenos momentos en la infancia, de que “cualquier tiempo pasado fue 

mejor.

Aquí abajo os remito al artículo de Jorge Manrique, ya que hay ciertas cosas más completas en el post que son para la mejor comprensión de los poemas comentados.

"Las tres edades", Hans Baldung Grien

http://etereoreflejo.blogspot.com.es/2016/03/vocacion-paternofilial.html

Un dato del que me he dado cuenta, es que, en las Coplas, el autor casi siempre recurre a los mismos tópicos literarios. Este poema no es diferente, aparte de ser el primero. Todos los demás copian el resto de tópicos literarios. En este poema, el tópico literario que más destaca es el de Tempus Fugit, ya que en todo momento evoca al pasado, evoca a todos los buenos momentos que pasó, y a todas las penurias que quedan por llegar.

En el ámbito de los recursos estilísticos, vemos claro algunos como los siguientes:

En primer lugar, hay un caso de paralelismo en los versos 4º y 5º cuando compara las estructuras empezando los dos versos con las palabras “Cómo se pasa […]”. También, en los mismos versos, encontramos la anáfora, ya que se repiten las mismas palabras en ambos versos, a diferencia del paralelismo que se repite la misma estructura sintáctica.

Como este poema está situado en el primer bloque de las Coplas, este poema trata de una manera sutil el tema de la muerte, ya que sus palabras ocultan un doble sentido, diciendo que por mucho que hayamos gozado, ahora vamos cuesta abajo y nos va a tocar sufrir, hasta llegar a nuestro día final, el día de nuestra muerte.

He elegido esta imagen porque esta copla precisamente habla de eso, sobre la comparación del tiempo, sobre cómo nos ha afectado el paso del tiempo, sobre la infinidad de veces que es mejor la niñez que la vejez, cosa que representa muy bien el cuadro de Grien.

Vocación paternofilial

Muchas son las fechas y lugares que se han dado sobre el nacimiento y muerte de este señor, las cuales no nos quedan muy claras, ya que ante la duda es mejor no decir nada que meter la pata.

Hijo de don Rodrigo Manrique, maese de la orden de Santiago, Manrique hijo desempeñó cargos importantes en las cortes de Castilla, ya que desde 1465 de vio involucrado en guerras. Tal cosa lo llevó a participar en la guerra civil del rey Enrique IV de Castilla apoyado de la nobleza.

Centrándonos en su obra, su colección más destacada son las Coplas a la muerte de su padre, ya que abarca las cuarenta coplas con gran sentimiento,destacando por la brevedad. Lo cual las hace ser reconocidas por ser la famosa elegía mas destacada dentro de la literatura española.

Divididas en 3 partes, cada parte abarca un tema principal distinto, los cuales son:

Estatua de Jorge Manrique en la Sierra de Segura, Jaén.

1. En el primer bloque de coplas, abarcando de la copla número I a la XIV, habla sobre la muerte en general, a veces, utilizando la técnica del "yo poético" para incitar a los lectores los mismos pensamientos del autor.
2. En segundo lugar, el segundo bloque tiene lugar de la copla XV a la copla XXIV, habla sobre la gente que ya se ha ido de este mundo, y de la gente que ha sufrido la pérdida de algún familiar querido, utilizando el tópico del Ubi Sunt? o recurriendo, simplemente, a preguntas retóricas.
3. En tercer y último lugar, el último bloque se subdivide en dos bloques más concretos. la primera parte de la copla XXV a la XXXIII, haciendo un retrato de su padre, mencionándolo por primera vez, y la segunda parte, de la copla XXXIV a la XL, en la que Manrique, digamos que le cede la palabra a la Muerte.

Como de costumbre, os pondré por aquí abajo algunas frases o citas sobre las obras de Jorge Manrique, y algún que otro artículo relacionado.

"Los fuegos que en mí encendieron los mis amores pasados, nunca matarlos pudieron las lágrimas que salieron de los mis ojos cuitados; pues no por poco llorar, que mis llantos muchos fueron, mas no se pueden matar los fuegos de bien amar, si de verdad se prendieron."

Esta frase la he escogido porque personalmente pienso que es una gran verdad, ya que por mucho que intentes quitarte un recuerdo de un amor de la cabeza, dicen que donde hubo fuego, quedan cenizas.

Bibliografía y artículos relacionados:

• http://www.nuevarevista.net/articulos/obra-poetica-jorge-manrique
• https://es.wikipedia.org/wiki/Coplas_por_la_muerte_de_su_padre
• http://ventepalmonte.blogspot.com.es/2012/02/paseos-por-la-sierra-de-segura-jaen-2.html
• http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/1571/Jorge%20Manrique
• http://www.frasesypensamientos.com.ar/autor/jorge-manrique.html

Un paseo por el infierno.

Como he mencionado en la entrada anterior, iba a dejar por aquí unas imágenes sobre la Divina Comedia.

Para saber el motivo de las fotos, o de su mensaje, puedes leer un par de artículos que voy a dejar por aquí abajo, creo que pueden servir de ayuda.

http://etereoreflejo.blogspot.com.es/2016/03/el-profundo-amante-de-beatriz.html

http://etereoreflejo.blogspot.com.es/2016/03/puerta-lo-desconocido.html

Concretamente, esas fotos son de una colección perteneciente al artista Gustave Doré. Os voy a dejar algunas de las imágenes que más me han gustado y el link del enlace de la obra completa, para que os animéis vosotros a buscarla y a mirarla entera, que merece la pena.

"Allí está Minos, sentado" canto V

Representación del Demonio

Aquí podéis obtener más información del autor y de su obra:

• https://laexuberanciadehades.wordpress.com/2012/04/20/gustave-dore-illustrations-of-divine-comedy-hell-ilustraciones-para-la-divina-comedia-infierno/
• http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dore.htm

Puerta a lo desconocido

Por mí se llega a la ciudad doliente.

Por mí se avanza hacia la eterna pena.

Por mí se va tras la perdida gente.

Dios al pecado señaló condena

y surgí entonces cual suprema alianza

del poder sumo y la justicia plena.

Y no existiendo en mí fin ni mudanza

nada me precedió sino Dios mismo.

Los que entrásteis perded toda esperanza.

Versión de: Nicolás Bayona Posada

 Este poema es la famosa entrada al Infierno de Dante, la famosa introducción del Canto número III del gran libro, La Divina Comedia

En el poema, Dante lee una especie de cartel, en el que está la inscripción del poema. Da a advertir, que si entras en el Infierno ya no saldrás, “Los que entrásteis perded toda esperanza”, dando a entender de que toda esperanza de vida se esfuma, mientras recorre el Infierno con el mítico Virgilio.

Como siempre, os dejo el post del autor por si queréis comprender un poco más a fondo el por qué de algunas cosas que están en este artículo. 

http://etereoreflejo.blogspot.com.es/2016/03/el-profundo-amante-de-beatriz.html

El tema del Canto sería la desesperación en estado puro, ya que solamente imaginar la entrada al Infierno es desgarrador, pero la opción de no retornar sería lo peor de este mundo. Tomar la elección de entrar, y saber que no volverás a salir, no como en el caso de Dante, debe de ser lo peor de este mundo. Dejar atrás todo lo que has vivido para entrar en una espiral de desesperación, de caos, de nada…

La primera estrofa, en su totalidad es una combinación entre anáforas “Por mí” y de paralelismo en toda regla, ya que todos los versos de la primera estrofa cumplen las mismas funciones sintácticas, paralelamente, claro. También hay un ejemplo de prosopopeya, ya que se le está atribuyendo un carácter, el de hablar en este caso, a una “puerta” cuando dice “Por mí se llega […]” dando a entender de que ese cartel es el que realmente está anunciando tu sino.

Si tuviese que elegir un tópico literario para este poema, elegiría, sin duda alguna el tópico Omnia Mors Aequat, ya que una vez cruzadas las puertas del infierno, todo el mundo es igual a ojos del diablo, todos son sus simples juguetes con los que él se divertirá mediante sus eternos castigos.

La imagen que he elegido creo que representa muy bien el poema, ya que es una ilustración de la “supuesta” entrada al Infierno de Dante, al largo viaje que tendrá que comenzar para llegar a su salvación, y poder, finalmente, reencontrarse con su guía Beatriz.

Supuesta entrada al Infierno, Divina Comedia

Como me ha costado mucho elegir una simple imagen para este poema, voy a dejar otro post con imágenes que representan muy bien el trayecto que tuvo que pasar Dante por el Infierno, para llegar así al Purgatorio y finalmente encontrar la salvación en el décimo Cielo.

Extraído de: http://amediavoz.com/alighieri.htm